Là où les vies se croisent Accrochage collectif avec les Bureaux du Cœur & Arty Show

Alice Louradour est plasticienne, d'origine bretonne et née en 199O. Elle travaille entre Paris et la Bretagne. Son travail artistique se développe sur différents médiums : peinture et installation qui s'unissent dans un univers joyeux, ludique et coloré, où les formes abstraites se répondent à plat et en volume, à mi chemin entre le chantier urbain, l'univers de la fête et l'aire de jeux d'enfants. Toujours ouverte aux autres dans ses projets, elle aime travailler en groupe, sous forme de collaboration ou d'intervention auprès d'écoles.  Avec les Ateliers Medicis, elle a réalisé en groupe des peintures de voiles de bateau, qui ont vogué dans la baie de Saint Jean de Luz. Cette année, elle réalise plusieurs fresques murales pour différents immeubles dans Paris dans le programme « 1 immeuble / 1 oeuvre » ( pour les sociétés immobilières : Emerige, Gecina, Abellia, Mairie de Paris...). La fin d'année se clos avec la biennale de Paname à St Ouen, où elle expose deux grandes toiles.

Botero PoP est un personnage imaginaire ultra universel , qui se promène dans la culture pop et notre société avec le minimum d'accessoire qui le rendent principal.

Codel est un street artiste français mêlant culture pop et urbanisme. Il débute dans l'illustration numérique avant d'évoluer vers des œuvres matérielles. Collages, fresques et installations éphémères marquent sa présence dans l'espace urbain. Son style visuel est immédiatement reconnaissable et libre de ton. Codel interroge la transformation et l'impermanence des espaces publics. Autodidacte, il détourne les codes du streetart avec humour et accessibilité. En utilisant des icônes pop comme les Stormtroopers ou Bart Simpson, il crée des œuvres ludiques et réflexives.

Ernesto Novo, street artiste français (60 ans) vit et travaille en Île-de-France. Issu d'une famille nombreuse d'origine vietnamienne, le métissage culturel dans son foyer et ses fréquentations, va forger la personnalité de celui qui ne cesse de se définir comme un peintre urbain figuratif et citoyen du monde. Après un passage dans le dessin de presse en digital, il ne perd pas pour autant la maîtrise des autres moyens comme pinceaux, bombes de peinture, marqueurs et craies qu'il pratique dans la rue, sur des façades et en atelier. Spécialisé dans les portraits en grand format, il collabore souvent avec des associations humanitaires. Après de nombreux voyages autour du monde, il puise dans ses souvenirs pour le choix de ses sujets colorés afin d'enrichir sa vision du monde avec sa peinture.

Fran réalise des personnages mi-humains mi-robot appelés MÉCKABLASTS de toutes tailles, fabriqués à partir de différents types de médium (papier, bande plâtrée, bâche plastique) pour accroître leurs légèretés. Protégés par leurs armures formées par l'accumulation de bandelettes déchirées, ces danseurs combattants se suspendent, virevoltent, courent, sautent ou chutent... Fran priviligie le choix de la bandelette pour sa grande souplesse de création. Les volumes montent en puissance et prennent vie ! La quête du mouvement est l'épicentre de ses recherches. 

Fred Mazère est un artiste peintre dont le travail prend appui sur le dessin. À travers le trait, il explore la composition, le rythme et la matière picturale, développant un langage visuel épuré où le geste structure l'espace et guide le regard.

Entretient dans ses créations un rapport intime avec l'univers(el)... une danse graphique solitaire dans laquelle les symboles deviennent partenaires pour marquer des cycles, sortir de soi et nous emmener toujours plus loin au cœur de l'humain. Son style ancien et son approche entière et particulière donnent naissance à des œuvres toujours personnelles qui dialoguent avec les lieux qui les accueillent ; c'est l'éternel aller-retour entre le dedans/dehors magique/ordinaire micro/macro (...) et dont le parcours initiatique donne finalement naissance à des continents sauvages domestiqués… ou bien s'agit-il des sommets d'un monde fantastique.

En tant qu'artiste-auteur et intermittent du spectacle, il dirige des actions avec différents collectifs d'artistes, mêlant arts plastiques & arts vivants pour un art de la situation. En multipliant les techniques picturales, il vend des milliers de dessins et peintures avec sa galerie maraîchère et diverses expositions. Après l'acquisition d'une "presse à notaire", il se lance pleinement dans l'estampe : linogravure, tirages d'art, puis le pochoir en vue de projets d'art urbain. Cette année 2025 marque une reprise des pinceaux à l'instar des gouges. Gaël Le Vaillant reprend la peinture avec de nouvelles dispositions. Sa recherche vise une facture plus posée, en quête d'une lumière "surréelle"; tout en conservant sa nature expressionniste et la liberté de son trait.

HeartCraft (« fait avec le cœur ») est un artiste urbain français dont le travail articule image, message et engagement. Il s'est fait connaître par son sti-cœur, une signature visuelle réunissant deux visages enlacés formant un cœur - une forme simple et répétée, déclinée en séries, symbole de fraternité et de résistance. Son œuvre installe de nouvelles icônes dans l'espace public, autour des droits des femmes, de la diversité, du handicap, des droits LGBTQ+... Une démarche à la fois poétique et militante, incarnée par son slogan « l'Amour au Pouvoir ! », apposé non comme un idéal, mais comme une revendication. Ce travail visuel se complète désormais d'une pratique textuelle. Des phrases courtes, rythmées, fondées sur des rimes internes et des oppositions nettes. Des aphorismes qui travaillent les tensions du monde contemporain : image et identité, croissance et valeur, connexion et solitude, consommation et épuisement. Par cette double démarche, visuelle et textuelle, HeartCraft fait de la rue un lieu de friction et de réflexion, non de simple passage.

Kouka Ntadi est un artiste peintre franco-congolais, né à Paris en 1981. Petit-fils du peintre expressionniste Francis Gruber, il ne cesse de confronter ses origines, sur ses toiles comme dans la rue. Déclinant différentes formes du portrait, il développe ses thèmes de recherche autour de l'essence de l'Homme, et de l'identité. Son travail se caractérise par l'expressivité et la spontanéité du geste, laissant volontairement apparaître les imperfections et les coulures. Sa peinture se joue des codes du graffiti pour mieux toucher au coeur d une recherche sur le statut de l'image. Depuis ses fameux "Guerriers Bantu" qui ont marqué sa première empreinte urbaine singulière, il ne cesse de rappeler que l'espace public, comme le monde, n'appartient à personne. S'affirmant avec un travail quasi obsessionnel sur le portrait, il créé un voile entre le visage de l'artiste et le spectateur qui devient protection et vecteur de pensée. Parfois la figure disparait pour laisser place à l'écriture et son pouvoir. Le travail devient une surface blanche où seule la force des mots s'exprime. Indistinct, indéchiffrable, énigmatique, le langage n'est plus identifié, les mots se changent en symboles comme un retour à l'universalité.

MAGGY + + + est une artiste peintre pluridisciplinaire, dont le parcours artistique s'est construit à travers les épreuves et les maux de la vie. Son cheminement personnel, marqué par l'expérience de la maladie et par des voyages en sac à dos, nourrit profondément son travail et l'a guidée vers la lumière par l'art, devenu pour elle un espace de transformation, de résilience et de renaissance. Connue pour ses œuvres vibrantes et intensément colorées, MAGGY + + + explore la vie à travers la peinture. Peintures, illustrations et fresques composent un univers sensible et immersif, où chaque création reflète une réflexion intime sur l'existence, le corps, le vivant et la capacité de l'être humain à se relever. Son leitmotiv, « Merci la vie ! », traverse l'ensemble de son œuvre. À travers des expositions, des collaborations professionnelles et des ateliers, MAGGY + + + partage généreusement son univers artistique, convaincue que la couleur peut tout changer.

Créatif pluridisciplinaire, Mato, en quête d'évidence dans la spontanéité, de décalage (enchanté) du réel, de reformulation, parfois jusqu'à l'absurde, explore, libre et sans enjeux, tous les possibles réjouissants que lui inspirent les intuitions agréables d'un esprit baroque, porté par le mouvement et la couleur, dans un geste foisonnant et protéiforme qui cherche dans l'instant et la mémoire la justesse et l'équilibre aux heureux hasards de différents médias.

Artiste autodidacte né à Liévin et installé à Nantes, Mika peint depuis l'âge de 12 ans. Issu de la culture punk et de la figuration libre des années 1980, il développe un univers immédiatement reconnaissable. Identifiables à leurs couleurs vives, leurs mots simples et percutants et une énergie à la fois rebelle et profondément humaine, ses personnages incarnent une révolte joyeuse. Son travail, largement présent dans l'espace public, porte des messages de paix, de tolérance et de solidarité. Engagé sur les questions sociales, Mika conçoit ses oeuvres comme un langage universel accessible à toutes et tous, créateur de lien, de visibilité et d'empathie.

C'est certainement en cours de chimie, dans les années 90, que Muriel Monserisier choisit la signature μ. Mu, le micron, l'infiniment petit. Secrètement, elle souhaitait passer inaperçue, devenir probablement micro-scopique. μ (Mu) est fascinée par la couleur des précipités au fond des tubes à essais. Elle remonte ainsi jusqu'à l'ère magdalénienne, s'enfonce dans les grottes ornées et réalise que les humains ont emprunté une voie qui les éloigne progressivement des pigments essentiels. Il fallait perpétuer la couleur ! μ infiltre alors un gang publicitaire, distillant la couleur dans ses éléments de gestion de l'image de diverses entreprises. Et puis, un jour, face à un visuel en tons de gris, elle réalise qu'il faudra passer du côté obscur de la force, faire entrer exagérément la couleur dans le quotidien. C'est ainsi qu'elle lâche le bureau, prend le chemin de la liberté. En France, elle connaît avec la planète entière un épisode de confinement. Entre espoir de voir la couleur et la vie (la vraie) reprendre entièrement leurs droits et la peur que la peur l'emporte définitivement sur la liberté, elle comprend que seule la simplicité nous entraînera vers l'intense joie de ceux qui ne se lassent jamais de la mystérieuse splendeur de ce Monde. Régulièrement en détox digitale, elle essaie juste de rendre le monde plus coloré dans la réalité. Jusqu'à quand ?

Pauline Ferrand est une artiste nantaise pluridisciplinaire diplômée de l'ESAL (Epinal) en 2016. Très inspirée par la sérigraphie, son univers est coloré et contrasté. Elle travaille la rencontre plastique entre lignes fines et lignes grasses, traits et formes, en expérimentant les techniques dans un style toujours graphique et joyeux. Sensible à la scénographie, elle exploite son rapport à l'espace dans une recherche de volumes et d'installation.

Gaëlle Richardeau, alias Physalis, est artiste, illustratrice et peintre muraliste. Elle réalise principalement des fresques collectives dans des lieux institutionnels tels que des écoles, centres de loisirs, hôpitaux ou maisons de quartier. Son univers visuel se nourrit du féminin, de la nature, des animaux et souvent d'un imaginaire tropical, qu'elle développe dans un style semi-réaliste, coloré et sensible. Physalis crée des images immersives où l'on retrouve une attention particulière portée aux courbes, à la douceur et aux atmosphères poétiques.

Il a créé et développé son propre style de doodles : des motifs et des formes qui se croisent et s'imbriquent, mêlant abstraction et symbolisme, avec un trait précis et des compositions parfois complexes. Sur des supports multiples (murs, objets, toiles...) et avec des techniques variées (vitraux, sculptures, lithos...), ses œuvres révèlent un univers unique et personnel. Inspiré à la fois par l'art brut, le pop art et l'art urbain, il invite le spectateur à plonger dans un monde graphique, ludique et poétique. Ses créations proposent un dialogue constant entre chaos et harmonie.

Ayant grandi à la campagne, dans les Côtes-d'Armor, Roxane Lucas découvre très tôt le dessin comme un refuge et une manière de s'évader. Ses premières fenêtres sur le monde sont la télévision et la radio, sources d'images et de récits qui nourriront durablement son imaginaire. Aujourd'hui, ces influences se retrouvent dans son travail, largement inspiré par les visages et les personnages qu'elle observe à travers les médias. Son œuvre est résolument figurative : Roxane cherche à capturer l'expression d'une époque, à travers les attitudes, les regards, les émotions humaines qui la fascinent. Lorsqu'elle crée, l'artiste s'entoure d'un univers sonore éclectique - du rap au rock. Si vous vous approchez de l'œuvre, vous pourrez presque entendre les musiques qui l'ont accompagnée.

Artiste peintre et muraliste, née en 1988, elle vit et travaille à Aix-en-Provence. Son travail se distingue par de grands aplats colorés, pensés pour dialoguer avec les lieux et les personnes qui les habitent. Ses œuvres, lumineuses et poétiques, invitent à la contemplation, à la joie et à une forme d'apaisement intérieur. À travers la couleur, elle cherche à créer des espaces sensibles qui relient, qui rassemblent, qui redonnent de la place à notre humanité. Elle revendique la joie comme force esthétique et la couleur comme langage - un art qui ouvre, qui accueille et qui relie profondément au vivant.

Passionné à son adolescence par la peinture, les pochoirs et la culture alternative, il obtient de son diplôme (DNSEP) en 1996 à l'École supé-rieure des Beaux-arts de Nantes Saint-Nazaire, et se détourne rapidement du formalisme conceptuel pour se concentrer sur le dessin et le graphisme Il passe la décennie 2000/2010 à l'étranger : Brésil, puis Guinée et y reprend un travail de peinture. A partir de 2005, au Sénégal, il pose son atelier et expose ses toiles à de nombreux événements (Biennale de Dakar, Institut National des Arts, Bamako, Mali). En 2010, il rentre à Nantes et continue de collaborer avec des collectifs d'artistes et des galeries de l'afrique de l'ouest. De 2014 à 2016, il co-fonde l'atelier-galerie Prisme. Depuis une dizaine d'année, Sébastien Bouchard transpose son travail dans l'espace public à travers des peintures murales, et des collages aux USA, en Europe et Afrique. Sur toile comme sur les murs, il aborde à travers le thème du portrait: l'alterité, la singularité et hybride ses modèles avec des éléments de diérentes époques et cultures. Sébastien Bouchard cherche à dépasser le clivage entre art populaire et art savant.

Né en 1998 à Saint-Pierre (La Réunion), je vis et travaille à Nantes. Autodidacte, j'ai développé une pratique libre mêlant peinture, dessin, collage et écriture sur des supports variés. Mon travail se déploie autant en atelier que dans l'espace public, où mes collages cherchent à créer des rencontres furtives et à interroger notre rapport au réel. Entre narration visuelle et introspection, je compose à partir de fragments du quotidien des univers ancrés dans le réel mais teintés d'onirisme. J'explore des thèmes comme l'identité, le vivant, la surcharge numérique ou la santé mentale, qui me servent à questionner la condition humaine. Mon art se veut un espace sensible où chacun peut projeter sa propre lecture du monde.

Le travail pictural de Vanessa Piras s'articule autour du motif végétal et de l'association de couleurs en explorant la lumière sur la matière dans son travail mural. Ces formes ont intégré sa pratique à force d'être répétées, accumulées, entrelacées. Les motifs dissimulés révèlent alors, feuillages et paysage graphique. Elle propose différents motifs, tantôt abstraits, tantôt art nouveau et multiplie les supports. Adepte du maximal sur les murs comme du minimal sur des objets qu'elle expose, elle explore la pluralité des gammes colorées et ornementales au gré de ces pérégrinations. Vanessa multiplie les fresques participatives et le travail collaboratif, forte de son expérience dans le milieu social et éducatif ainsi que thérapeutique. "Le partage de l'acte de peindre est au cœur de ma pratique artistique et de mon processus de création. La beauté se niche dans la simplicité".

Artiste diplômée de l'École des beaux-arts de Nantes, Violette Rocco développe une pratique centrée sur la peinture, qu'elle explore à travers des approches variées selon les projets, allant d'un réalisme minutieux à une gestuelle plus libre et expressive, comme c'est le cas ici. Influencée notamment par Gerhard Richter, Nina Childress et Claire Tabouret, elle construit une œuvre protéiforme mêlant peinture, dessin et installation. Son travail interroge les notions d'appartenance, de communauté et d'intimité, à travers des scènes de groupe, des portraits humains ou animaliers. La couleur, l'élaboration de la palette et le dialogue entre peinture et dessin occupent une place centrale dans ses recherches plastiques, participant à la création d'ambiances singulières, à la lisière du réel.